LA PIEDAD DEL VATICANO

LA PIEDAD DEL VATICANO

http://blogdelaurac.blogspot.com/2013/02/piedad-del-vaticano.html

IDENTIFICACIÓN

NOMBRE: La piedad del Vaticano.

AUTOR: Miguel Ángel Buonarotti

PATROCINADOR: Jean Bilheres (cardenal francés)

LOCALIZACIÓN: Basílica de San Pedro del Vaticano, entre 1496 y 1501

ESTILO: Renacimiento italiano (Cincuencento)

ANÁLISIS TÉCNICO

TIPOLOGÍA: Las dos figuras del conjunto escultórico, conforman una pirámide cerrada, de bulto redondo

MATERIALES: Mármol blanco y técnica talla

DESCRIPCIÓN: La Virgen, sentada y erguida, sostiene a Jesucristo yacente en su regazo. El cuerpo de Cristo está encuadrado casi por completo dentro del contorno dibujado por el cuerpo de María, lo que enfatiza la unión íntima entre madre e hijo. Asimismo, la Virgen, que mantiene la mirada baja y evita dirigirse al espectador, acoge con una mano al difunto, mientras que con la otra parece invitarnos a adorarlo. Su vestido equilibra la composición y actúa como base de la pirámide. El conjunto contrapone la desnudez del cuerpo estilizado de Jesús al ropaje de profundos pliegues de María. La pesadez de la Virgen fuertemente apegada a la Tierra, a la ligereza del redentor que solo toca el suelo con el pie derecho. 

ÁNALISIS FORMAL

FORMAS DE EXPRESIÓN: El escultor opta por representar el tema de la Virgen con Cristo muerto sin recurrir al dramatismo extremo con el que se había tratado el tema en el gótico final; sino que, por el contrario, todo en la obra respira aceptación ante el destino redentor de Cristo. El rostro de María de belleza inigualable no se deforma con expresiones de llanto o dolor sino que muestra un dolor comedido mostrando a la Humanidad el cuerpo muerto de su Hijo. María muestra un rostro ovalado, bello y joven; demasiado joven le criticaron a a Miguel Ángel, pero con el que el autor dijo que quería representar la virginidad eterna de María. La belleza de María no es la belleza de la carne sino la del espíritu, belleza que no se marchita. Igualmente, Cristo parece dormir hundido en el regazo de la Madre, abrazado por los pliegues del sudario que parecen acogerlo; mostrándonos un cuerpo hermoso, de proporciones perfectas donde aún no están presente la musculatura exagerada propias del autor: Tan sólo las llagas de las manos y pies y la herida del costado nos recuerdan la Pasión, pero hay una ausencia total de sangre o heridas que afeen el cuerpo de Jesús. Ambos figuras, la de Jesús y María, son sendos ejemplos de búsqueda de la belleza neoplatónica, tan presente en el ideal humanístico.

TRATAMIENTO DE FORMAS: Cabe destacar el dominio de la técnica escultórica de Miguel Ángel así como el extraordinario pulido de la Obra. La luz parece resbalar por el cuerpo de Cristo mientras que los abundantes y profundos pliegues del manto de la Virgen y del sudario crean un juego de luces y sombras que acentúan la belleza plástica de la escultura.

COMPOSICIÓN: Sigue un esquema piramidal, cerrado y equilátero. Para conseguir el perfil triangular se ha alargado el regazo femenino, cubierto de pesadas vestiduras. La composición comunica estabilidad y reposo.  El lado derecho del triángulo imaginario viene determinado por la amplia curva que describe el manto de la Virgen, abarcando todo ese lado, mientras que el lado izquierdo nos ofrece un perfil más quebrado con la flexión del brazo de la Virgen y de las piernas de Cristo.Contraste de líneas a partir de la posición de las cabezas:  La Virgen con cabeza inclinada hacia abajo, marca con su mirada el eje vertical del triángulo compositivo. Parece representar el mundo terrenal, la naturaleza humana de ambos personajes.  Cristo, con su cabeza echada hacia atrás, marca una dirección ascendente, que es la única que se desmarca de la composición cerrada comentada. Representaría el mundo celestial, la naturaleza divina de Cristo.Otras líneas dominantes:  Las curvas que describen el cuerpo de Cristo y los pliegues de la virgen que se sitúan por debajo del mismo. Esos pliegues acentúan la curva del cuerpo de Cristo.  Otras parecen cerrar el grupo escultórico centralizando su visión: forma almendrada que podemos seguir desde la cabeza de la Virgen, continuando por los pliegues de la túnica y cerrándose en la parte inferior en la zona de los pliegues más profundos que se encuentra inmediatamente por debajo del cuerpo de Cristo. Las dos verticales de las piernas desnudas de Cristo enmarcan por la derecha la poderosa masa que forma, bajo los pliegues de las telas, la pierna apoyada en el suelo de la Madre.El paño de pureza de Cristo se ubica sobre el gran surco del manto de la Virgen y ofrece una cierta continuidad al pliegue del mismo. La línea del brazo izquierdo de la madre sigue una de las aristas de la pirámide y encuentra respuesta, en el otro extremo de la composición, en el brazo del Hijo muerto.

CONTEXTUALIZACIÓN

CONTEXTO SOCIAL: Es en Florencia, A principios del Siglo XV, donde primero se produce una transformación de la Concepción y de la función del arte hasta entonces vigente. Los primeros Protagonistas fueron Brunelleschi (arquitecto), Donatello (escultor) y Masaccio (pintor).En la creación y Difusión de las nuevas formas artísticas desempeñaron un papel decisivo los Mecenas Que no sólo protegen a los artistas sino que recopilan importantes colecciones. Todo con cierto carácter interesado, ya que les alcanzaba la gloria de la fama, Acrecentando su prestigio social, su poder político etc.Las obras dejan De ser anónimas y el artista adquiere una consideración, pasando a ocupar un Puesto destacado dentro de la sociedad. Se valora su trabajo y su persona y Ellos firman sus obras.

ANTECEDENTES: La influencia de toda esta evolución será enorme, e incluso será evidente en pintores consagrados como el propio Rafael, que también derivará a un manierismo deudor de ciertas técnicas miguelangelescas. 

La posterior generación le tendrá como el mayor artista de toda la Historia del Arte,ytantoBronzino,comoPontorno,Tintoretto,el Greco, Berruguete,Juan de Juni seguirán su forma de tratar el arte como una forma de expresión interior. Un siglo después será Bernini quien lo recoja y comience a hacer en donde Miguel Ángel había parado, pasando de la expresión interna al movimiento. También Rubens tomó en cuanta sus anatomías excesivas, e incluso Velázquez copió alguna de sus composiciones. Ya en el siglo XIX seráRodin quien lo recuperará y reinterpretará en obras como el Beso.

Imágenes sacadas en wikipedia y https://www.lacamaradelarte.com/2016/07/piedad-del-vaticano.html